VFX Breakdown: ZEPfilms Epic Reel - Mayo 2012

Luego de llegar a las 100.000 visitas en mi Canal de YouTube, decidí armar un reel de todo lo que estuvimos haciendo en ZEPfilms desde sus comienzos en Octubre del 2011. Desde ya les agradezco a todos por elegir mi canal, suscribirse, comentar y valorar el contenido que se produce dentro del mismo.

Ahora, quizás les interese un poco ver cómo se armó este reel así pueden crear sus propias versiones. Primero, quiero que sepan que armé este video utilizando unicamente los conceptos que enseñé en mis tutoriales. O sea que no hay nada de este reel que no puedan aprender a hacer viendo todos los videos que hice hasta ahora. La mayor parte de lo que ven está hecho en After Effects, así que si quieren, pueden buscar todos los tutoriales al respecto, haciendo click aquí.

BÚSQUEDA DE MATERIAL:

Quería que la introducción fuera bien espacial, así que me puse a buscar en imágenes de Google todo lo que pudiera encontrar relacionado con el espacio. Había muy buenas fotos de galaxias y estrellas que fui guardando para crear la composición. Aquí les dejo algunas de las que use:

INTRODUCCIÓN:
Para armar la composición, primero construí todo el entorno en 3D, poniendo cada imagen en una capa más adelante o más atrás.
Adelante de todo puse tres capas de imágenes de estrellas (que son las que abren al principio), luego el logo de ZEPfilms, delante de más estrellas y la foto de una galaxia. Todas las capas estaban en modo "Screen", de forma que lo negro que tuvieran las imágenes desaparecía y solo se veía lo otro.

Para darle un poco más de realismo, hice que las capas de atrás rotaran muy lentamente y se agrandaran usando keyframes. Esto genera una sensación de expansión, muy propia de lo que vemos cuando nos muestran renders del espacio.
Luego de darle movimiento a todas las capas, le agregué una cámara que lo que hacía era simplemente ir hacia adelante, cruzando primero las tres capas de estrellas, y llegando finalmente al logo. A todo esto le agregué la opción de Motion Blur, de modo que el movimiento de cámara sea más creíble. 
Para darle el toque final, sumé a toda la composición una capa más de humo que fuera como el polvo estelar moviéndose por el espacio. Este simplemente era un video de humo sobre negro que tenía, al cual le corregí un poco el color para que se viera más rojizo.

Todo esto, para solo 5 segundos de intro...

TUTORIALES PROFESIONALES:
Una vez que llegamos al logo, era hora de moverse hacia adelante para revelar el título "Tutoriales Profesionales".
El problema que tenía para esto, era que la composición tenía que ser la misma, pero el texto y el fondo no se debían ver hasta que la cámara se acercara a los mismos.
Lo que hice para solucionar esto fue tan simple generar una nueva capa atrás de todo en mi composición, donde apareciera el texto y el fondo (la galaxia más magenta), pero ambos con opacidad al 0%. Esto logró que no molestaran mientras se veia la animación del logo haciéndose visibles en ningún momento. Ni bien la cámara traspasa el logo, la opacidad del "Tutoriales..." y su respectiva imagen de fondo comienza a aumentar.
Como el movimiento de cámara era bastante rápido, nuestro ojo no nota este cambio. Sin embargo, para hacerlo aun más imperceptible aún, le agregué el ya conocido efecto de "The Wiggler" a la cámara, para que la transición entre el logo y el título siguiente fuera más brusca y el cambio menos notorio.

El cambio entre ambos planos se hace imperceptible gracias al cambio de opacidad, al movimiento

rápido de cámara y al efecto "The Wiggler"

Espero que esto les haya servido. Más adelante voy a enseñarles cómo hice otros efectos dentro del Reel así que si les gustó, no duden en suscribirse a este blog para los proximos artículos!

Suerte con sus proyectos,
Nicolas Amelio-Ortiz (ZEPfilms)

Cómo crear un look antiguo en Final Cut Pro

Nivel de Dificultad: Intermedio
En este tutorial vamos a aprender cómo darle una estética antigua a nuestros videos usando diferentes plugins y efectos que nos ofrece el Final Cut Pro.

El estudio de grabación económico

Poster alternativo de "El Bosque
de los Sometidos"

Esta semana finalmente terminamos de sonorizar nuestro primer largometraje, "El Bosque de los Sometidos". Déjenme decirles que concluir este paso fue para nosotros como sacarnos de encima una de las tareas más grandes y de una vez comenzar con la mezcla de audio.
Para aquellos que sigan de cerca los artículos sobre la producción de este film independiente, entenderán que la post de sonido fue un gran desafío para el equipo, considerando los pocos recursos para grabar audio que tuvimos durante el rodaje.
La sonorización de "El Bosque de los Sometidos" presentó un trabajo extenso que incluyó doblajes, retomas de ambientes, musicalización, diseños de sonidos, filtros, foley y bueno, prácticamente todo lo que se les pueda ocurrir relacionado con el asunto.
Como aparte de todo esto no teníamos mucho presupuesto de postproducción, tuvimos que ingeniar una idea con el grupo para sacar el mejor audio posible con lo que tuviéramos a mano. Esto nos obligó a crear una pequeña sala insonorizada donde grabamos la mayor parte de los efectos de sonido que en unos meses van a escuchar en la película.
En este artículo me gustaría explicarles cómo hicimos esto y cómo pueden ahorrarse bastante dinero creando su propia sala. Pero primero, hay que saber qué es lo que queremos lograr con un estudio de sonido.

Las salas de grabación nos sirven para crear efectos de sonido como foley o doblajes de los actores sin que el sonido del ambiente nos moleste. De esta manera vamos a sacar un sonido en su forma más pura y luego en la mezcla lo vamos a poder fundir con el resto del audio de la película.
Si queremos lograr esto vamos a necesitar que la sala esté completamente insonorizada. Esto quiere decir, no solamente que no entren ruidos de afuera, si no que el ruido de adentro no rebote en las paredes generando reverberación.
Una buena idea para evitar esto es, primero y principal, grabar en un cuarto reducido y con poco sonido de afuera que moleste (no les va a servir realizar esto dentro de un departamento que quede en Corrientes y 9 de Julio. Aquellos que vivan en Argentina entenderán mejor lo que digo). Si consiguen esto, van a necesitar también que las paredes y el techo del cuarto sean cubiertos por capas de materiales que absorban el sonido y que de paso, no dejen entrar sonidos ajenos.
Hay una serie de materiales que les pueden servir para esta tarea y que les pueden generar excelentes resultados si logran cubrir el cuarto con ellos:

1) Goma Espuma

El director de Sonido Facundo Salomón (derecha)
y yo (izquierda) en nuestra sala customizada

Uno de los mejores materiales para absorber el sonido. Si pueden conseguir esto y cubrir una habitación, notarán que grabar audio se hace mucho más fácil, ahora por otro lado, también van a enterarse de que este es el material más caro de todos, así que piensen bien cuánto comprar y si luego les quedará algo de efectivo para el resto de la postproducción.

2) Madera
La madera también es un buen material para aislar sonido y tiene la ventaja de que es mucho más barato y fácil de conseguir. Una capa de madera en la pared del cuarto que usen para grabar efectos de sonido puede ser de bastante utilidad. Si no consiguen esto, también pueden aprovechar armarios, escritorios y otros muebles de madera colocandolos de manera estratégica.

3) Tela: La tela también sirve mucho para que no entren ruidos desde afuera ni haya reverb en el cuarto. Una cosa que pueden conseguir en cualquier casa y que les puede ayudar, son los colchones. Si no consiguen una buena capa de madera o de goma espuma, tapar las paredes con colchones puede ayudarlos también. ¡Incluso pueden dormir en ellos cuando terminan!

4) Cartón: El cartón ayuda mucho a evitar el reverb y es el material más facil y barato de conseguir. Les recomiendo que consigan muchas cajas de huevo, ya que estas vienen incluso con un formato que permite una buena insonorización.

Una vez que tengan cubiertas las paredes con estos materiales, notarán que el cuarto se aisla bastante bien el sonido y que, si tienen algún micrófono, pueden sacar un audio bastante descente. Espero que estos datos les hayan servido y si les gustó, suscríbanse en Facebook Twitter y Google+ ya que pienso hacer bastantes artículos sobre experiencias durante rodajes y edición de video.

Mucha Suerte
Nicolas Amelio Ortiz (ZEPfilms)

¿Qué es Apple ProRes 422?

Desde que empecé a usar Final Cut Pro, uno de los problemas que siempre tuve a la hora de editar mis videos fue el de comprender los formatos y cómo estos le servían al programa para funcionar mejor.
Después de una larga trayectoria, varias horas de Render y una cantidad incontable de intentos fallidos, finalmente fui encontrando un camino (quizás podría llamarlo workflow) para editar de la manera más cómoda, sin tener que pensar mucho en los formatos o cualquiera de los aspectos técnicos del programa. Esto me permitió que pudiera poner toda mi atención a el armado de la película o cortometraje que esté realizando sin preocuparme por otras cosas no tan relevantes.

Seamos sinceros, muchos de nosotros, al principio de nuestra exploración por las aplicaciones de edición no lineal, perdemos más tiempo renderizando y tratando de descifrar todas las expresiones técnicas que nos exige el programa que editando efectivamente nuestros proyectos.
Por eso, acá les dejo un tip, una ayuda, que a mi personalmente me cambió la vida una vez que la descubrí y la puse en práctica. Estoy hablando de la compresión de nuestros videos y de cómo aprovechar la misma para que no tengamos que perder tanto tiempo renderizando y cerrando pop-ups de  errores en nuestro programa.

En el año 2007, justo a la par de la Salida del Final Cut Studio 2, Apple introdujo al mercado de la postproducción digital un nuevo formato de compresión de video llamado ProRes 422. Este codec permitía una decodificación mucho más fluida en Final Cut Pro que otros, como por ejemplo, el H.264.
Antes de continuar, me gustaría hacer una diferenciación entre formato y codec: Un formato nos define la forma en que los datos de nuestro video están codificados (para más información, ver este artículo), mientras que un codec simplemente se encarga de comprimir nuestros archivos de video, de manera que nuestros programas de edición o reproductores lo puedan leer mejor, más rápido y no requieran de tanta memoria para realizar esta tarea.

Mientras que en la linea de formatos podemos encontrar MOV, AVI o MP4, entre los codecs nos vamos a cruzar con ProRes 422, H.264, Apple Intermediate Codec etc.
En cualquier ventana de exportación, desde iMovie hasta Final Cut, ambos están separados y podemos designarlos individualmente (vean el ejemplo de abajo).

En esta ventana nosotros designamos el FORMATO de nuestro video final.

En esta ventana, nosotros designamos el compresor o CODEC.

Ahora que podemos diferenciar bien cada uno, veamos las ventajas que tiene el codec Apple ProRes 422:

1) Peso
En cuanto a peso, los archivos en ProRes 422 no presentan un gran problema. Se puede mantener una muy buena calidad en tamaños no muy desproporcionados.

2) Flujo de Trabajo
Si usan Final Cut Pro, el Apple ProRes 422 debe ser el mejor compresor. Es el que menos render exige y el que más rápido es leido por el programa. Desde que descubrí cómo usarlo, pocas veces tuve que renderizar mucho un proyecto. Obviamente no estamos desligados 100% a tener que renderizar, pero este compresor nos ahorra mucho tiempo en acortar esa linea roja arriba de nuestro timeline.

3) Color y Rango Dinámico
Muchos compresores tienen el problema de que al comprimir el archivo original, le sacan mucha información al color que puede ser importante (sobre todo al momento de colorizar, obviamente). El ProRes 422, si bien hace algo de compresión de color, esta resulta ser bastante sutil y no molesta. La nueva versión de este codec, el Apple ProRes 444 tiene una respuesta de color mucho mayor, pero al precio de un mucho mayor peso. Debido a esto, y a que la diferencia es casi imperceptible, yo estoy más del lado del 422 que de su sucesor.

Estas serían las ventajas. Nada mal ¿verdad? Pero ¿cómo hacemos para convertir nuestros archivos en ProRes? La respuesta es muy simple:
Primero, cada vez que importamos archivos directo de nuestra cámara usando Log&Transfer (Acá tengo un tutorial que les puede ayudar a aprender a usar esta función), el Final Cut nos convierte por default todos los videos usando este compresor. Así que, la próxima vez que importen a Final Cut, asegúrense de hacerlo desde la cámara (o directo desde las tarjetas de la misma)
Otra manera es a través de conversores de video. De estos van a encontrar en todas las formas y tamaños por internet. Uno que a mi me gusta bastante es este llamado MPEG Streamclip, que sirve mucho para aquellos que tengan archivos en formato mpeg-4 u otros. Si buscan en google van a encontrarse con muchos más e incluso algunos específicos para su video en particular.

El Workflow para usar estos archivos es tan simple como convertir todos nuestros videos al formato MOV con este codec, trabajar esos videos y exportarlos sin ningún problema en el formato que querramos, o reconectarlos al final con los archivos originales (preparándonos para unas largas horas de render). Lo mejor de este tip, es que no requiere mucha más técnica que eso, y puede salvarnos horas y horas de problemas técnicos de Final Cut, así que a todo aquel que esté a tiempo de realizar la conversión, sepan que el Apple ProRes 422 tiene mi completo sello de aprobación.

Espero que esto les sirva en sus trabajos. A mi me hubiese gustado que alguien me lo recomendara cuando empecé a editar, así que acá me tienen. Mucha suerte con sus proyectos y nos vemos en otro artículo la semana que viene.

Nicolas A. Ortiz (ZEPfilms)

Lista de equipos para tomar el mejor Sonido

Realizar una película en sonido directo es una labor muy minuciosa y poca gente puede realizarla a la perfección. Se necesita tener presición y una excelente preproducción en cada escena del rodaje.

Como saben, para cada sonido hay distintos micrófonos. Y sea la escena que sea, hay un set de grabación de sonido que uno tiene que tener siempre a mano. Así que acá les dejo una lista de los micrófonos y otros accesorios de sonido que no les pueden faltar en un rodaje:

Grabador TASCAM con dos
entradas de micrófono.

1) Grabadora
Nada queda mejor grabado que a traves de un grabador especial de sonido. Esto mismo es mucho mejor que grabar directo de la cámara y les permite trabajar niveles y ecualizaciones básicas ahí mismo en el rodaje. Un grabador aparte no solo les permite un trabajo independiente del sonido durante la filmación, sino que también les deja trabajar con más de un micrófono a la vez. Mientras más entradas tenga el grabador, mejor. ¿Marcas interesantes? A mi el grabador de sonido que más me gusta es el TASCAM, pero también les diría que revisen el Fostex FR2-LE, que no se queda atrás. No olviden cuando vayan a grabar sonido separado de lo que filman, de primero chequear que esté grabando en la misma frecuencia que los FPS con los que filman y lo más importante, de siempre tener una claqueta para sincronizar luego sonido e imagen en post!

Dos micrófonos inalámbricos

2) Corbatero
El corbatero, o micrófono inalambrico pequeño, es indispensable durante cualquier filmación. Lo que este nos permite es tomar perfectamente los diálogos de nuestros personajes sin que estos se mezclen con el ambiente. Hay que saber esconderlos bien en la ropa de los actores, y tener mucho cuidado con la interferencia que se pueda producir. Si pueden con estas dos desventajas, el corbatero no les va a traer más que alegrías durante la postproducción. Siempre es bueno llevar más de uno de estos para cada actor en la escena, pero recuerden que también necesitan una gran cantidad de entradas en su grabador. De todas maneras, con este tipo de micrófonos bien colocados, ¡el doblaje es cosa del pasado!

Set de micrófono boom con cables,
caña y rompevientos

3) Boom
El boom es el micrófono cinematográfico por excelencia. Con una toma de sonido hiper direccional, nos permite agarrar cualquier sonido al que apuntemos, aislando todos los demás. Esto nos da una gran ventaja ya que si no poseemos corbateros, puede ayudarnos a tomar diálogos sin problema. No olviden de poner el boom siempre por encima del sonido que quieran tomar (no por debajo) y de tener cuidado que este no salga en cámara! Los mejores booms para mi son los Senheiser, pero cualquiera que tenga una buena direccionalidad (o como le dicen profesionalmente, un buen diagrama polar) les sirve. Otra cosa que les puede servir para cuando graban con boom es agregarle un felpudo que atenúe el viento por si llegan a grabar en exteriores.

4) Caña
Si van a trabajar con un boom, es imprescindible el uso de la caña. Qué es una caña? Es simplemente una extensión de metal que les sirve para poder apuntar el boom desde más lejos o más alto. Esta misma sirve por dos razones: por un lado, ayuda al sonidista a mantener distancia y por otro a no ser visto por la cámara. Cuando usen la caña recuerden tratar con cuidado el cable del boom para que no les genere interferencia. Hay algunas cañas que permiten pasar el cable por dentro de la misma, evitando así cualquier tipo de problemas.

Dos micrófonos para 

grabar en estereo

5) Micrófono Estereo

Una vez que grabaron una excelente escena, con una toma de sonido increíble, lo que queda es tomar los ambientes. ¿Qué son estos? Básicamente todos los sonidos que están de fondo durante la escena. Sus personajes están en una fiesta, entonces el ambiente son los gritos y charla de los extras. Si en cambio están en el campo, los pájaros, el viento y una que otra oveja serían los que armen su ambiente. Lo que les permite un micrófono con salida estereo es grabar el ambiente de una manera completamente envolvente, cosa que quizas un micrófono normal no les permita.

Espero que este dato les sirva al armar su preproducción de sonido. Mucha suerte!